VACIO GANA COMO MEJOR LARGOMETRAJE EN EL BAFICI

 

Filme ecuatoriano ‘Vacío’ fue premiado como mejor largometraje en Argentina

La cinta, que ya ha recibido dos galardones, fue estrenada en enero del 2020, pero debido a la pandemia se proyecta un reestreno en julio de este año.

Esta producción de 92 minutos de duración fue galardonada este sábado como mejor largometraje, categoría América, en la 22.ª edición de los premios del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici).

El anuncio fue lanzado durante la mañana a través de una conferencia de prensa en la capital argentina, mientras que la ceremonia formal tendría lugar en horas de la tarde.

El ambateño Paúl Venegas, director, guionista y productor de Vacío, la cual es su ópera prima, señala que por motivos de la pandemia no pudo viajar a Buenos Aires a recibir el galardón, pero sus pequeños hijos, de 11 y 10 años de edad, quienes residen allá, serían sus representantes para aceptar la estatuilla. “Es un festival con alta curaduría”, añade.

Vacío, coproducido por el uruguayo Esteban Schroeder y el colombiano Giuliano Cavalli, narra la historia de dos migrantes chinos que llegan clandestinamente a Guayaquil en su ruta hacia Estados Unidos, por lo que aproximadamente el 70% de sus diálogos están en mandarín. El casting incluye al ecuatoriano Ricardo Velástegui entre los actores protagónicos de origen asiático, como Fu Jing, Lidan Zhu y Meng Day Min.

Este premio es el segundo recibido por el filme. El primero fue como mejor largometraje ecuatoriano en el Festival Internacional de Cine de Guayaquil (septiembre del 2019), tras lo cual vino el gran estreno internacional en el Festival Internacional de Cine de Busán (Biff, según sus siglas en inglés) en competencia, celebrado en octubre del 2020 en Corea del Sur. Luego tuvo el reconocimiento de representar a Ecuador en la carrera a mejor película internacional de la edición 93 de los Premios Óscar.

“Recibir el premio del Bacifi es una gran alegría para mí y el equipo. Es un premio al gran esfuerzo que es hacer cine en el Ecuador, un aliento a que podemos seguir avanzando a pesar de todas las barreras que existen acá, empezando por el mismo Estado, que ejerce una función de inquisidor en vez de fomentar con decisión y voluntad esta naciente industria cinematográfica”, menciona Venegas.

Vacío se estrenó en 40 salas en enero del 2020, y a pesar de haber tenido una recepción positiva de las audiencias a nivel nacional, se vio casi inmediatamente afectada por la pandemia. “La gente dejó de ir al cine, e incluso sus actores chinos sufrieron discriminación por su origen, que era el mismo del virus del COVID-19”, agrega el director. “Sin embargo, ha seguido sumando logros y, por tanto, el interés del público en verla. Estamos planificando su reestreno en salas y online para el mes de julio”. (E)

 

 

Bafici 2021 – Crítica de “Vacío”, de Paul Venegas (Competencia Americana)

Por

Daniel Cholakian

-

21 marzo, 2021

 

En el cine de Centroamérica y el Caribe aparecen, especialmente en los últimos años, relatos sobre la inmigración ilegal de personas chinas para la explotación laboral. La trata de personas hacia nuestra región es más habitual de lo que el cine hollywodense y las grandes plataformas nos hacen creer.

En general estas mujeres y hombres llegan a nuestro continente con la intención de que continuar su camino, ya legalizados, hacia Estados Unidos. Pero difícilmente lo consigan. La puertorriqueña El silencio del viento (Álvaro Aponte-Centeno) y la trinitense Moving parts (Emilie Upczak) fueron dos excelentes ejemplos de películas que relatan esas historias.

Vací”, desde Ecuador, se suma con una mirada similar a este cine. No se trata de una historia nueva, sino que tiene un más de un siglo de tráfico y explotación, y es visible en países como México, Cuba o Panamá. En la película de Paul Venegas, la larga historia de la migración ilegal desde China hacia Ecuador está presente en el Sr. Lu, quien hablando con el recién llegado Wong, se sorprende que el barrio La Bahía sea considerado el nuevo Chinatown de Guayaquil. “Hace 40 años éramos muy poco aquí”, relata. Él también fue un migrante ilegal en Ecuador, y permanece trabajando para un personaje oscuro, que sostiene su poder económico en el tráfico de personas y algunos negocios legales, que esconden otros más redituables y algo menos transparentes.

Wong llegó junto con Lei y otras personas apiñados en un barco, del que fueron bajados en un container en el puerto en Manta. Sus pasaportes les fueron retenidos por Chang, y bajo su control son alojados en una casa regenteadas por el Sr. Lu, el anciano gentil llegado hace cuatro décadas.

Mientras Wong trabaja en un depósito de mercaderías, la joven Lei queda a cargo de un locutorio. Ella pagó su transporte hasta Nueva York y reclama su derecho a continuar hasta su destino final. Wong apenas espera juntar algo de dinero poder traer con él a su pequeño hijo. Para eso, por supuesto, deberá pagar gastos que nadie sabe cuáles son ni cuánto significan, cumpliendo todo lo que Chang le ordene.

Vacío tiene entre sus logros trabajar con mucha delicadeza las situaciones extremas y utilizar el lenguaje de sus personajes (la película está casi en su totalidad hablada en chino) para contar la (im)posibilidad de comunicarse y construir un mundo fuera del impuesto por el traficante.

Venegas toma elementos del drama personal solo para dar cuenta de las formas que adquiere la explotación de los migrantes ilegales y no construye un melodrama. Ellos son parte de una comunidad que crece y se sostiene con esos engaños.

Historias como la de Lei y Wong se repiten, los deseos de los explotados de hoy son similares a quienes los preceden, y el futuro es, donde sea y como sea, un vacío lleno de puros interrogantes.

 

VACIO EN BUSAN FILM FESTIVAL 2020

 

Película ecuatoriana 'Vacío' entra a la selección del Festival ...

La película Vacío, del ecuatoriano Paúl Venegas, ha sido seleccionada para participar en el Festival Internacional de Busan (BIFF), de Corea.

 Ecuador Selects the Chinese Migrant Drama EMPTINESS as Its Oscar Contender

Emptiness': Busan Review | Reviews | Screen

 

Dir: Paul Venegas. Ecuador/Uruguay. 2020. 93 mins

Deep in the creaking hold of a container ship, Chinese migrants Lei (Jing Fu) and Wong (Lidan Zhu) form a bond. It is something that will stand both in good stead as they attempt to negotiate the uncertainties of life as illegal immigrants in the port city of Guayaquil, Ecuador. Lei is determined to continue her journey to New York; Wong prefers to make a life for himself in Latin America with the ultimate aim of bringing his son to live with him. But both realise that their plans are very much dependent on the whims and vagaries of other people. While there is currently no shortage of films tackling the migrant experience, Emptiness adopts a perspective which is less commonly explored: that of the Chinese migrant to South America. That said, the narrative of exploitation and vulnerability is all too familiar.

The film suggests that migration is processed in stages, a bit like a bereavement.

Paul Venegas’ fiction feature debut strives for authenticity, using non-professional actors cast from the real-life community of Chinese immigrants in Guayaquil. The result is the kind of persuasive but unpolished portrait which should connect with festival audiences but might struggle to assert itself beyond the circuit.

The most accomplished performance comes from Fu, who brings a bit of sass and confidence to the character of Lei, who has no reason, as yet, to doubt that her dream of making a new life in New York will come to fruition. Sharp-witted and kittenish, she charms every man she meets, including the rather slippery Chang Da (Day Min Meng), the man who will arrange her onward journey. If it suits him to do so.

Chang offers to help her open a beauty parlour right there in Ecuador, but Lei is doubtful. “It’s hard for me to trust men”, she says. And the nervy score, full of slippery strings, sounds a note of alarm which backs up her suspicions. Lei is well aware that her charm is her best bet when it comes to securing her future, so in addition to fielding the clumsy attentions of Chang, she also toys with the aggressively flirtatious but ultimately harmless Victor (Ricardo Velastegui).

Wong, however, is less well-defined as a character, an issue partly to do with the thumbnail-sketch writing, which explores motivation but doesn’t delve deeply into the man. It’s also due to the inexperience of the actor: Zhu is clearly ill at ease with dialogue and doesn’t seem especially comfortable in front of the camera.

The film is divided into chapters with titles like “Desire”, “Nostalgia” and “Desillusion” (sic), suggesting that migration is processed in stages, a bit like a bereavement. But the process is interrupted by the treacherous Chang, who decides to use Lei and Wong as unwitting couriers of something unspecified but definitely illegal. Recognising that they are in danger, the pair call on the help of friends and manage to evade Chang’s plan. But a sobering final scene suggests that for Lei and Wong, like so many other migrants, freedom is relative.

Production company: Xanadu Films

International sales: Helderland Films, helder@helderlands.com

Producer: Esteban Schroeder, Paul Venegas

Screenplay: Paul Venegas, Carlos Teran Vargas

Cinematographer: Simon Brauer

Editor: Felipe Guerrero

Production design: Carla Santillan

Music: Victor Andrade

Main cast: Jing Fu, Lidan Zhu, Day Min Meng, Ricardo Velastegui

 

 

PREMIOS COLIBRI - MEJOR FOTOGRAFIA _CENIZAS

 Los ganadores y las curiosidades de los Premios Colibrí 2020 “Alba” y su directora Ana Cristina Barragán se alzaron con los reconocimientos a las categorías más importantes de la noche. En una velada de calidad en la que no faltó la emoción. Esta fue una gala de premiación en medio de una pandemia, que se puedo ver vía online, la noche del 18 de octubre. Y también una velada en medio de otro tipo de situación dentro del quehacer cinematográfico ecuatoriano: esta fue la tercera edición en 10 años. Pozo: no se puede usar deuda para dar nombramientos en el sector salud Porque las ediciones de los Premios Colibrí han estado realmente espaciadas y los cinco años que separan la anterior de la actual se perciben como una distancia considerable.

 Algo que se intenta cambiar. Los Premios Colibrí 2020, organizados esta vez por la Corporación de Productores y Promotores Audiovisuales del Ecuador (Copae) y la Academia de las Artes Audiovisuales y Cinematográficas del Ecuador (Acec) tuvieron su encuentro para dar a conocer ganadores y ganadoras de las diferentes categorías. Esto en una producción con una gran calidad, tanto en imagen como en audio, así como en estructura y en la información que se ofreció a lo largo de sus casi 70 minutos. Datos que se enfocaron en explicar el estado de la cinematografía nacional, que entre 2016 y 2019 ha producido más de 70 largometrajes, con más de USD 3 millones en recaudación y más de 700 mil espectadores. Antonella Valeriano y Alejandro Fajardo, presentadores de la velada Premios Colibrí / COPAE / ACEC Esto junto al trabajo de los actores Antonella Valeriano y Alejandro Fajardo, quienes estuvieron encargados de la conducción con absoluta prolijidad.

 

La emoción de quienes recibieron los premios  Siempre hay espacio para mejorar. En medio de una situación sanitaria como la que se vive en este momento, y tomando en cuenta que durante la gala se hizo referencia a ciertos mecanismos de cuidado para asistentes a los cines -como el uso de maniquíes en puestos distanciados, como parte del público en la sala principal del Ochoymedio, donde se grabó el acto- llamaron la atención algunos gestos que pudieron ajustarse. Como el hecho de que entre ganadores y presentadores se abrazaran y se dieran la mano al recibir el galardón. O que, salvo un video introductorio, ninguna de las personas que aparecieron en pantalla usaba mascarillas -algo a lo que otras entregas de premios han recurrido-. Quizás detalles importantes ahora. Fuera de esto -que se queda en lo anecdótico- la velada sirvió para dejar en evidencia la cantidad de trabajo y las figuras que hay detrás de la cinematografía ecuatoriana. Esto, en un momento en que se permite entregar un premio a la Mejor Película en Lengua Originaria. Que se lo llevó el filme Killa y fue Alberto Muenala, su director, quien apareció para recogerlo.

Los momentos intensos y sensibles también fueron parte de la velada. Porque no solo hubo homenajes en videos a la gran actriz Martha Ormaza o al joven actor Joaquín Wappenstein. También hubo una fuerte emoción en ganadores, como por ejemplo Jimmy “Rambo” Pazmiño, cuando recibió el Premio Copae a la Trayectoria Nacional, por sus tres décadas de trabajo en una gran cantidad de producciones nacionales. O con Isabel Rodas, productora del documental Sacachún, quien al acercarse a recibir el premio por ese magnífico trabajo sobre la memoria y creencias populares, ofreció el discurso de agradecimiento más sentido de la noche. Volume 0% 00:29 00:14 02:18   La lista completa de ganadores Fue Ana Cristina Barragán, con su película Alba -estrenada en 2016- la realizadora que llevó tres de los premios más importantes, entre ellos a Mejor Guion y Mejor Dirección. Durante su agradecimiento, Barragán hablo sobre la relevancia de que se entreguen premios en un momento en el que hay muchas dificultades para terminar proyectos. Volume 0% 00:08 04:42   Con igual número de premios, el filme de Juan Sebastián Jácome, Cenizas, también se llevó tres reconocimientos: Mejor diseño sonoro, para Estebanoise Brauer Mejor música original, para Xavier Müller Mejor dirección de fotogtrafía, para Simón Brauer En las categorías de actuación, Víctor Aráuz -por Agujero Negro– y Mónica Mancero -por Azulesturquesas– se llevaron los premios. Otro ganadores fueron: Mejor Montaje, para Sebastián Cordero, por Sin muertos no hay Carnaval Mejor Diseño de Producción, para Roberto Frisone, por La Mala Noche Premio de Exhibidores, para el filme Dedicada a mi Ex, de Jorge Ulloa Mejor Producción de Plataforma Web, para Huele que alimenta Mejor Película de Animación para El Capulí, de Carlos Sosa Mejor Producción de Televisión, para Diez historias en abril Premio Copae de Honor a Toty Rodríguez Premio Copae a Trayectoria Internacional para el director de fotografía Enrique Chediak, de amplia trayectoria. Alba se llevó el premio a Mejor Película, el gran galardón de la velada. La productora Isabela Parra fue la encargada de retirarlo. Volume 0%   Los Premios Colibrí buscan no demorarse cinco años para una siguiente edición. Hay una promesa de por medio que se pudo leer al final de la transmisión: La cuarta entrega deberá realizarse el 2022. Ojalá se pueda. El cine lo necesita. 
 
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 Salud!!! Por un cine que se hace en equipo, por el cine que crece y madura. Gracias a todos esos guerreros que dejan todo en la cancha, a Lorena , a mis hijas , a mis padres y a todos quienes acompañan este camino con el alma. Felicitaciones a todos los nominados y organizadores de tan invaluable reconocimiento!!!

Simon Brauer.

2020.

 

 

 

 

LORENA CORDERO COUTURE - LA MUJER QUE HABITO

LORENA CORDERO COUTURE  - LA MUJER QUE HABITO - Primera Coleccion from Simon Brauer on Vimeo.

Little by little, the artist Lorena Cordero reveals her universe in the fashion world. A fascinating sensuality and powerful details are discovered through her creations.

VACIO

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  LEI and WONG clandestinely arrive to Ecuador, on their way to the port city of Guayaquil. From here LEI plans to continue her journey to New York, but CHANG, a bipolar mobster will decide her fate. WONG unwillingly gets entangled in the web of corruption that operates the encroachment of Chinese immigrants. His only objective is to bring his twelve-year-old son from China. CHANG falls in love with LEI, whereas she becomes conscious that her "china dream" of reaching New York is in jeopardy. VICTOR, a local young man becomes a possible escape. Mr LU, an older calligrapher, helps the young immigrants. LEI's rejection of CHANG uncovers his ruthless personality. When a smuggling scheme sets LEI and WONG at a crossroads, they can only rely on each other to chase their freedom. "MONTEVIDEO" recounts the anguish of the immigrant, where deep emotions are subject to masculine power relations and where individuals struggle to save their dignity.
  —Xanadu Films
  
  
  
  
  VACIO - Feature Film - Trailer ( English subtitles) from Simon Brauer on Vimeo.

ULTIMO ALIENTO - Mateo Kingman feat. Gustavo Santaolalla (Official Music Video)

ULTIMO ALIENTO - Mateo Kingman feat. Gustavo Santaolalla (Official Music Video) from Simon Brauer on Vimeo.

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https://www.elcomercio.com/tendencias/video-mateo-kingman-gustavo-santaolalla.html
https://www.radionica.rocks/musica-en-el-mundo/mateo-kingman-gustavo-santaolalla
https://theworldnews.net/ec-news/mateo-kingman-estrena-videoclip-en-colaboracion-con-gustavo-santaolalla


Mateo Kingman & Gustavo Santaolalla - Último Aliento Pre-order the forthcoming album 'Astro' on LP & Digital: : mateokingman.lnk.to/astro AYA Records 2019 Ana Barragán - Dirección Mateo Kingman, Ana Barragán - Guión Simón Brauer - Dirección de Fotografía Ana Barragán, Mateo Kingman, Iván Mora - Montaje Melanie Schapiro - Jefatura de Producción Alvaro Almeida - Producción Ejecutiva Jota Salazar - Corrección de Color Mateo Kingman, Ana Barragán - Arte y Vestuario Lionel Braverman - Asistente de Dirección Camila Suarez Folch - Asistente de Cámara Camila Albertocchi - Asistente de Producción Juan Agustín Rivero - Foquista Francisco Lautaro de Santis - Gaffer Sebastian Bravo Almonacid - Eléctrico Tomas Regidor - Eléctrico Juan Marcos Ramundo - Ayudante de producción Música Mateo Kingman, Ivis Flies, Gustavo Santaolalla Con el Apoyo de: GÜITIG - SAYCE - KADABRA Agradecimientos: Sergio Chiappetta, Alejandra Palacios, Federico Vasquez Acuña, Mariano Gerbino, Claudia Núñez, Juan Carlos Donoso, Emmanuel Blanchard, Zoom Rental Film.

El músico ecuatoriano Mateo Kingman y el argentino Gustavo Santaolalla lanzaron “Último aliento”. La canción fue escrita y compuesta por Kingman en las orillas del Río San Pedro, mientras moría su abuelo. Desde las aguas que se deshielan del Illiniza y corren hacia el sur, Kingman compuso una canción que fusiona lo nuevo y lo viejo de la música latinoamericana, acompañado de un “y cuando me vuelva eterno, seré nada más que nada pájaro de la quebrada, aliento del universo”. Santaolalla se conectó con Respira, el primer disco de Kingman, luego de que su banda Bajo Fondo se lo hiciera escuchar. El año pasado se conocieron en la Feria Internacional de la Música (FIMPRO) que se realiza en México y cruzaron breves palabras. “Escribir esta canción fue como dejar salir toda la música latinoamericana que me ha influenciado y de la cual Gustavo es responsable, en gran medida. Le envié el tema y terminamos cantándolo y tocándolo juntos. Se siente como un sueño, para mí, que este maestro de la música sea ahora un hermano y tripulante de esta nave. Hice esta canción en el río San Pedro, en el tiempo en que mi abuelo estaba muriendo”, dijo Kingman. El videoclip se filmó en Buenos Aires, con la dirección de la cineasta Ana Cristina Barragán y la dirección fotográfica de Simón Brauer. Según señala un comunicado de prensa, Barragán buscó la armonía entre el blanco y negro, con un tiempo estático que unen dos edades, dos tiempos, con cuerpos diferentes, que se engañan y acompañan, que mueren y renacen. “Último aliento” será parte del segundo álbum de Kingman, ASTRO, el cual, con algunas influencias del trap y la música latinoamericana, se lanzaría en julio de este año.

Esta noticia ha sido publicada originalmente por Diario EL TELÉGRAFO bajo la siguiente dirección: https://www.eltelegrafo.com.ec/noticias/cultura/10/mateokingman-gustavosantaolalla-musica
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El músico ecuatoriano Mateo Kingman y el argentino Gustavo Santaolalla lanzaron “Último aliento”. La canción fue escrita y compuesta por Kingman en las orillas del Río San Pedro, mientras moría su abuelo. Desde las aguas que se deshielan del Illiniza y corren hacia el sur, Kingman compuso una canción que fusiona lo nuevo y lo viejo de la música latinoamericana, acompañado de un “y cuando me vuelva eterno, seré nada más que nada pájaro de la quebrada, aliento del universo”. Santaolalla se conectó con Respira, el primer disco de Kingman, luego de que su banda Bajo Fondo se lo hiciera escuchar. El año pasado se conocieron en la Feria Internacional de la Música (FIMPRO) que se realiza en México y cruzaron breves palabras. “Escribir esta canción fue como dejar salir toda la música latinoamericana que me ha influenciado y de la cual Gustavo es responsable, en gran medida. Le envié el tema y terminamos cantándolo y tocándolo juntos. Se siente como un sueño, para mí, que este maestro de la música sea ahora un hermano y tripulante de esta nave. Hice esta canción en el río San Pedro, en el tiempo en que mi abuelo estaba muriendo”, dijo Kingman. El videoclip se filmó en Buenos Aires, con la dirección de la cineasta Ana Cristina Barragán y la dirección fotográfica de Simón Brauer. Según señala un comunicado de prensa, Barragán buscó la armonía entre el blanco y negro, con un tiempo estático que unen dos edades, dos tiempos, con cuerpos diferentes, que se engañan y acompañan, que mueren y renacen. “Último aliento” será parte del segundo álbum de Kingman, ASTRO, el cual, con algunas influencias del trap y la música latinoamericana, se lanzaría en julio de este año.

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El músico ecuatoriano Mateo Kingman y el argentino Gustavo Santaolalla lanzaron “Último aliento”. La canción fue escrita y compuesta por Kingman en las orillas del Río San Pedro, mientras moría su abuelo. Desde las aguas que se deshielan del Illiniza y corren hacia el sur, Kingman compuso una canción que fusiona lo nuevo y lo viejo de la música latinoamericana, acompañado de un “y cuando me vuelva eterno, seré nada más que nada pájaro de la quebrada, aliento del universo”. Santaolalla se conectó con Respira, el primer disco de Kingman, luego de que su banda Bajo Fondo se lo hiciera escuchar. El año pasado se conocieron en la Feria Internacional de la Música (FIMPRO) que se realiza en México y cruzaron breves palabras. “Escribir esta canción fue como dejar salir toda la música latinoamericana que me ha influenciado y de la cual Gustavo es responsable, en gran medida. Le envié el tema y terminamos cantándolo y tocándolo juntos. Se siente como un sueño, para mí, que este maestro de la música sea ahora un hermano y tripulante de esta nave. Hice esta canción en el río San Pedro, en el tiempo en que mi abuelo estaba muriendo”, dijo Kingman. El videoclip se filmó en Buenos Aires, con la dirección de la cineasta Ana Cristina Barragán y la dirección fotográfica de Simón Brauer. Según señala un comunicado de prensa, Barragán buscó la armonía entre el blanco y negro, con un tiempo estático que unen dos edades, dos tiempos, con cuerpos diferentes, que se engañan y acompañan, que mueren y renacen. “Último aliento” será parte del segundo álbum de Kingman, ASTRO, el cual, con algunas influencias del trap y la música latinoamericana, se lanzaría en julio de este año.

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RELIGAR - Selección oficial- Mejor Cinematografía - LOS ANGELES CineFest

MATEO KINGMAN PRESENTS “RELIGAR” AND KICKS OFF A NEW ERA IN SOUND 

With his new sound, Mateo Kingman turns snake and constantly sheds his skin. After the successful debut album “Respira”, he’s back with more vocal power and poetry. “Religar” is our first glimpse of a more mature, honest Mateo, searching within for new sonic destinations. Experimenting, rhyming, putting it all together to take it all apart. He moves us, he makes us move, and gets right under our skin.

“Religar” is the first single from Mateo Kingman’s new album, set for a 2019 release. A blend of profound, cosmic lyrics with cutting edge, eclectic production, synths exploring organic beats and melodies. “Religar” means “putting the parts back together again, returning to unity after it’s all fallen apart.

RELIGAR - E MUSIC AWARDS one- Premio a la mejor cinematografía.

MATEO KINGMAN PRESENTS “RELIGAR” AND KICKS OFF A NEW ERA IN SOUND 

With his new sound, Mateo Kingman turns snake and constantly sheds his skin. After the successful debut album “Respira”, he’s back with more vocal power and poetry. “Religar” is our first glimpse of a more mature, honest Mateo, searching within for new sonic destinations. Experimenting, rhyming, putting it all together to take it all apart. He moves us, he makes us move, and gets right under our skin.

“Religar” is the first single from Mateo Kingman’s new album, set for a 2019 release. A blend of profound, cosmic lyrics with cutting edge, eclectic production, synths exploring organic beats and melodies. “Religar” means “putting the parts back together again, returning to unity after it’s all fallen apart.”

RELIGAR

Música: Mateo Kingman, Ivis Flies
AYA RECORDS 2018

DIRECCIÓN
ANA CRISTINA BARRAGÁN
GUIÓN
ANA CRISTINA BARRAGÁN Y MATEO KINGMAN
PRODUCCIÓN GENERAL
ARTURO YÉPEZ
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
SIMÓN BRAUER
DIRECCIÓN DE ARTE
CAMILA MOREJÓN
MONTAJE
ANA CRISTINA BARRAGÁN
MATEO KINGMAN
JUAN CARLOS DONOSO
CORRECCIÓN DE COLOR
JOTA SALAZAR
CASTING
FERNANDA BARRAGÁN
MAYA VILLACRECES
PRODUCCIÓN EJECUTIVA
ALVARO ALMEIDA
IVIS FLIES
ACTORES EN ORDEN DE APARICIÓN
EDUARDO VÉLEZ GARCÍA
KODY EIBISCH GARCÍA
JOEL SEBAS
MACARENA ARIAS SILVA
EDUARDO VÉLEZ
PAULA ALEJANDRA JARRÍN
BABYBLUE SILVA
PRODUCCIÓN MUSICAL
IVIS FLIES / MATEO KINGMAN
VESTUARIO
KARINA DÁVILA
MAQUILLAJE
MANUELA CORDERO
1ER ASISTENCIA DE DIRECCIÓN
ARTURO YÉPEZ
2NDA ASISTENCIA DE DIRECCIÓN
FERNANDA BARRAGÁN
PRODUCCIÓN DE CAMPO Y LOCACIONES
VALENTINA NUÑEZ
1ER ASISTENTE DE CÁMARA
JUAN RIVERO
GAFFER
RAMBO PAZMIÑO
ASISTENTE DE ARTE
BELÉN DRAGHI
2NDO ASISTENTE DE CÁMARA
HARI VILLAREAL
JUAN JOSÉ GELLER
GRIPS
ESTEFANO PALLERO
CARLOS IDROVO
LUIS DANIEL LUENGO
MARTÍN KINGMAN
JUAN CARLOS "POLLITO" PACHECO
ASISTENTE DE MAQUILLAJE
LILU RAMOS
ASISTENTE POSPRODUCCIÓN
MARTÍN GALARZA
CATERING
FERNANDO VEGA
F0TÓGRAFOS ENSAYOS
JULIO CÁRMENES
MARTIN GONZALES

AGRADECIMIENTOS
Sebastián Benalcazar - Juan Diego Bustamante - KINO - Club Hacienda El Refugio - Rodrigo Insignares - Ecuador Film Comission - Ministerio de Turismo de Ecuador - Ministerio de Defensa Nacional - Ginger Rodríguez Esteban Jara - Luis Pillajo - Claudia Córdovez - Claudia Nuñez - PUKARÁ - Iván Alzate – REM – Juandi Monsalve – Juan Carlos Donoso – Emilio Lopez

SABADO CENIZA - Secuencias de material crudo - Intención- Aspectos técnicos

• Las diferentes formas de llegar a una propuesta: Creo que hay miles de caminos para llegar a una propuesta, en este punto vuelvo a la relación fotógrafo y director. Es importante escuchar al director como ya lo había ya mencionado, pero también es importante aprender a escucharte a ti mismo. Para mi lo primero es el instinto creo que de ahí se deriva todo. Al leer un guión y conversar con el director podemos ya intuir por donde va la cosa. Muchas veces puedes tener referencias como punto de partida, estas referencias pueden ser visuales, como películas , pinturas, fotografías etc. Creo que eso ayuda un montón mas que nada a conectar de una manera visual con el director y ayudarnos a remar para el mismo lado. A veces las referencias para mi son auditivas, compartiendo música . Yo parto muchísimo de la pregunta Como suena la película?, Como va sonar la escena?, , que ritmo tiene una secuencia de planos?. Las referencias incluso pueden ser literarias. Partir de referencias como algo que nos ayude a conectar es clave. Una referencia no quiere decir que vamos a copiar un estilo visual es simplemente un recurso que nos ayuda a conectar y analizar lo que queremos evocar. Por ejemplo en la película SABADO CENIZA nuestras referencias visuales venían de todo lado, era un shampoo que poco a poco fueron tomando forma el momento que las poníamos juntas. Miramos BLUE de Kieslowski primero por que es una peli que tanto a Juanse Jacomeel Director y a mi nos encanta y era muy coherente con el sentimiento que queríamos trasmitir en la peli y sentíamos que había algo ahí pero no sabíamos que exactamente. Perfecto ¡ busquemos que es eso que nos mueve y por que creemos que BLUE tiene algo, poco a poco fuimos sacando nuestras conclusiones y llegando a algo propio. Por otro vimos muchísimos pintores y analizamos como manejaban la luz en esa búsqueda descubrimos juntos a Hsin Yao que es un joven pintor chino de Taiwan que conjugaba algunos elementos interesantes que queríamos usar, la luz, la textura, el tipo de encuadre y tenia algo muy particular el movimiento…
La fotografía de DOYLE en In the mood for love fue otra referencia. Como ven ninguna de las referencias tiene que ver la una con la otra, pero cada una tenia algo que nos interesaba y sin embargo cada una a su manera nos hacían conectar con la historia que queríamos contar. Poco a poco fuimos llegando a algo propio.
• ¿Cómo construyes el lenguaje de la película? El lenguaje se construye en base a códigos relacionados con el tiempo y el espacio. Muchas veces este nace del cumulo de decisiones que se toman durante la propuesta visual. Creo que cada proyecto va encontrando su lenguaje propio el momento que el proyecto te empieza hablar por si solo. Un momento crucial es cuando decides como vas a filmar esta peli? Y porque la filmas de tal manera u otra?. Para mi el lenguaje de la peli esta ligado íntimamente al guión y a sus personajes con la DRAMATURGIA , estos elementos te denotan un ritmo de cada escena , un tipo de luz , una textura, tipo de encuadres ,etc. El conjugar todos estos elementos son para mi parte de un proceso muy orgánico que si bien nacen de un instinto poco a poco van agarrando forma el momento en que las pones juntas. Básicamente lo comparo con una receta de cocina. Si sabemos que queremos hacer un pastel primero tenemos que tener todos los ingredientes necesarios , una vez con esto vamos dándole nuestro toque.
• ESCENAS SABADO CENIZA ( 8 min)
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• El libro de Storaro, las ideas de la luz y la sombra. Existe un libro de Storaro que se llama como “Escribiendo con luz, color y elementos” en este libro Storaro describe su propia teoría del color.
• Storaro parte del negro (el cual simboliza para él la presencia y la negación del cuerpo, el principio y el fin) seguido del rojo, naranja, amarillo, gris, verde, azul, violeta y, finalmente, el blanco. El rojo es el color del contacto divino, el pasado, el principio ejecutor de todas las cosas, el primero de los colores primarios, el que forma la vida, la luz y la energía. El naranja, por su parte, ensalza la pasión, la sensación y la conciencia (es el color más empleado en películas como “El último emperador” o “El cielo protector”). El amarillo es el color del conocimiento, el cual representa ese paso fundamental en la vida que marca el abandono de la inocencia para llegar a la madurez; esto es, representa la intuición, sugerencia, afecto,…
• El gris, por su parte, es un color indefinido, el cual marca la frontera entre dos áreas: es el color de la pérdida, la espera o la reflexión antes del principio de una nueva vida. El verde es la pasión y la razón, el pasado y el futuro. El azul expresa la forma máxima de la inteligencia, que es la libertad (y es, naturalmente, el color dominante de “La luna”), siendo el perfecto complemento al amarillo. El añil es el color de la madurez, la energía, el logro de la vida material. El violeta sería el color del ciclo de la vida. Por último, el blanco es el colors del pasado: en él están todos los colores, es la suma de todas las edades y representa la unión y la minuciosidad de la vida.
• En función al siginificado de cada color para Sortario este ilumina las escena con uno u otro tono cromático. Esta teoría esta basada en la teoría del color de Goethe la cual se centra en el efecto psicológico que tiene cada color. Par mi es una teoría muy interesante que esta totalmente ligada con lo subjetivo ( que nos ha pasado en la vida ) y lo cultural. En todo caso siempre es muy interesante el momento de desarrollar un proyecto el análisis del color y como este afecta a cada escena y a la película en general. Es un tema netamente interpretativo. Por ejemplo en SABADO CENIZA decidimos cargar nuestro magazine con película tungsteno. Tal cual si estuviéramos filmando en fílmico. Calibramos una RED Scarlet a 3200K básicamente para toda la película. Y decidimos usar fuentes de tungsteno para interiores pero que la luz que incida por la ventana sea luz día 5600K, que lo que se vea por la ventana sea azulado, tener exteriores azulados. Esto iba muy relacionado con la frialdad que queríamos en la historia. En conjunto usamos un filtro light cian durante toda la película para devolver cierta calidez al tono de las pieles sin sacrificar el frio que nos daba nuestra calibración de 3200K

MEJOR CINEMATOGRAFIA- FROM CORE TO SUN - IX LUX AWARDS 2018

Ganadores Lux Awards 2018: Communication, Innovation, Craft y Special Awards

octubre 26, 2018

¡Lo mejor y más destacado del año en comunicación, innovación y ejecución del país, ha sido revelado! En esta segunda edición de Lux Awards continuamos con nuestro propósito inicial: elevar la vara de nuestra industria.

TERROR FEST GANA EFFIE PLATA EN LA CATEGORIA BAJO PRESUPUESTO

TERROR FEST nominado en la categoría bajo presupuesto en el Effie Awards Ecuador 2018

Agency: MULLEN LOWE DELTA
Client: MULTICINES
Production Company: WHISKEY
Director: Luis Cañizares
Producer : Jose Aponte / Carolina Gil
Director of Photography: Simón Brauer
Art Director: Pedro Sosa
1 Camera Assistant : Juan Rivero
Gaffer: JUan Pillasagua.

HBO - New York Latino Fim Festival presenta CENIZAS

On the brink of eruption, Cotopaxi spews ash issuing an eerie shadow over Quito while a young woman confronts dormant familial conflicts in this stunning and poignant drama.

Caridad hasnt spoken to her father in yearsnot since he left the family under a cloud of suspicion and accusations. But that changes when Cotopaxi, a long dormant volcano overlooking Quito, suddenly threatens to erupt, and Caridad finds herself isolated and trapped within the blast zone. Out of options, she reaches out to her father and confronts the emotions she repressed for so many years.

AGUJERO NEGRO - Una comedia sexy secretamente amarga..

FESTIVALES 

20° BAFICI: “Agujero Negro” de Diego Araujo (2018) 

 16 abril, 2018 

Víctor y Marcela se conocen durante una noche de fiesta y rápidamente comienzan una relación. Cinco años después él se encuentra escribiendo su primera novela y ella, en medio de una reunión familiar, anuncia que está embarazada. Esto provocará una crisis existencial en el protagonista, que ve lejano tanto la concreción de su obra literaria como el hecho de convertirse en padre. Pero todo cambiará cuando se muden a un barrio cerrado y se cruce con su musa inspiradora: una chica de 16 años.

Si bien “Agujero Negro” explora una mezcla de temáticas ya abordadas en el cine como el impacto de la futura paternidad en un hombre o la falta de creatividad en un escritor, la cinta atrapa desde la confección de sus personajes y las relaciones que se desarrollan. Víctor y su musa Valentina tienen un acercamiento especial que juega siempre con los límites legales y éticos. Ese vínculo es mostrado como orgánico y natural y a pesar de ser prohibido es funcional para el objetivo del protagonista. Hay que destacar aquí la interpretación de sus actores Víctor Arauz y Marla Garzón, quienes generan una buena química en pantalla.

Por otro lado, se consigue provocar un interés en el público, que quiere saber cómo terminará esta historia, aunque cueste empatizar un poco con el personaje principal, que no para de tomar caminos erróneos. Vive una especie de regresión adolescente antes de embarcarse de una vez por todas a la adultez, como un coming of age con delay.

La estética del relato es muy sencilla, con pocas locaciones por las que se mueven los personajes. Está filmada en blanco y negro y en una relación de aspecto de 1.33 : 1, una decisión que no tiene una aparente justificación narrativa, pero que igual se la acepta, aunque no sea lo que más acostumbramos a ver.

En síntesis, “Agujero Negro” nos presenta una comedia dramática donde se aborda la crisis existencial del personaje desde distintos aspectos (personales y profesionales), donde su punto más alto se encuentra en la composición de los protagonistas y la naturalidad de sus diálogos y relaciones. Una exploración por las emociones, los miedos, el qué dirán, la adultez, el concepto de éxito y fracaso, entre otras cuestiones de la vida cotidiana.

Afraid to face upcoming parenthood and the ultimate deadline for his long-awaited novel, a once-promising writer develops a crush on a defiant muse, the 16-year-old girl next door, and escapes into a second adolescence, alienating his partner and those who care about him before finally coming to terms with adulthood.

TRAILER AGUJERO NEGRO

AGUJERO NEGRO - TRAILER from Simon Brauer on Vimeo.

Víctor, a 30-year-old writer, enters a crisis when his long-time companion Marcela reveals to him that she is pregnant. Together with Marcela, Víctor is forced to move to an upscale gated neighborhood in the suburbs where he develops a crush on Valentina, the bright, rebellious 15-year-old teenager who lives next door. Víctor spirals into a second adolescence putting his relationship and fatherhood at risk.

Genre: Black Comedy
Length: 90 mins. Black and White
Year: 2018
Language: Spanish
Produced by Ilaló Cine - Viewfinder
Countries: Ecuador | Dominican Republic
Distribution: M-appeal

With the support of
Banco BHD
Ecuadorian National Council of Cinematography Post Production Fund

CREW
Director: Diego Araujo
Producers: Hanne-Lovise Skartveit, Wendy Muñiz, Guillermo Zouain
Director of Photography: Simon Brauer 
Edited by: Soledad Salfate

FESTIVALS
BAFICI 2018 - Competencia Latinoamericana
Festival Latinoamericano de Cine de Quito 2018

Synopsis

Afraid to face upcoming parenthood and the ultimate deadline for his long-awaited novel, a once-promising writer develops a crush on a defiant muse, the 16-year-old girl next door, and escapes into a second adolescence, alienating his partner and those who care about him before finally coming to terms with adulthood.

Directed by Diego Araujo.